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Borrão artístico no estúdio | Como eu filmei (e editei)


Eu me vi interessado na idéia de capturar e transmitir movimento em fotografias estáticas. Aparentemente, existem duas abordagens para a idéia: Você pode usar uma velocidade do obturador muito curta ou uma luz estroboscópica para congelar um objeto ou pessoa em movimento, ou pode aumentar a velocidade do obturador e adotar o desfoque de movimento. Para esta imagem em particular, eu escolhi fazer as duas coisas.

Como minhas especialidades são retrato e moda, e sabendo que queria incorporar movimento a esta sessão, fiz um esforço conjunto para encontrar uma modelo com experiência em dança. Ele não tinha trabalhado com Meg antes, mas ela é modelo, atriz e dança e ensina dança há anos, e acabou sendo ideal para as filmagens que ela tinha em mente.

As camadas

A imagem final é, obviamente, uma combinação de várias exposições diferentes e não foi um efeito que você poderia capturar na câmera. De fato, inclui fotos de duas configurações separadas que eu não tinha planejado combinar até depois da sessão, quando estava selecionando as imagens. Vi pela primeira vez quão bem a imagem em primeiro plano funcionaria como uma máscara de recorte e, quando percebi que a foto colorida estava alinhada com ela, sabia o que queria criar.

Para criar esse efeito fantasmagórico, usei uma técnica que pode ser bastante familiar para fotógrafos de casamento ou qualquer pessoa que tenha visto o tutorial premium do SLR Lounge sobre fotografia de recepção. É essencialmente a versão de estúdio de arrastar o obturador. Em vez de usar um speedlite e mover a câmera, criei uma configuração de iluminação que combinava luzes estroboscópicas com luzes contínuas e montava a câmera em um tripé.

Primeiro, configurei minhas luzes contínuas para poder determinar as configurações de exposição necessárias para obter o desfoque de movimento que eu queria. Usei as luzes LED Hive Lighting Wasp 100-C, ambas com potência máxima. A melhor coisa sobre essas luzes é que os modificadores Profoto podem ser montados nelas. Usei uma câmera de caixa Profoto certa, montada na vertical, bem perto do assunto, essencialmente como uma luz de preenchimento. A outra luz contínua era uma colméia com o refletor padrão, configurado em azul, apontando para o fundo. Ambas as luzes acenderam com força total e, usando um medidor de luz, descobri que poderia subexpor levemente a luz de preenchimento com uma exposição de 0,4 segundos na ISO 100 ef / 11.

A luz principal era um Profoto D2, com o difusor de cúpula, em um prato de beleza Mola Seti, com a câmera à esquerda, a aproximadamente 45 graus do assunto, a cerca de um metro e meio de distância do nível dos seus olhos. Não me lembro da configuração exata de energia, mas usei um medidor de luz para obter uma saída f / 11 na ISO 100. Por ser um flash com uma duração incrivelmente curta do flash, a velocidade do obturador não teve efeito sobre sua exposição, e você pode ter certeza de que congelaria um breve momento do seu movimento. Coloquei outro D2 atrás do objeto, apontando para o fundo, com um refletor de zoom padrão para concluir o efeito.

Essencialmente, projetei a iluminação para congelar o movimento no lado esquerdo do quadro, onde a placa de beleza estava atingindo, e obter desfoque de movimento no lado direito do quadro, nas sombras da luz principal. Para concluir o efeito, configurei a câmera para sincronizar a cortina traseira, para que o desfoque de movimento levasse ao momento congelado, em vez de seguir depois, como faria se a câmera estivesse no modo de sincronização da cortina frontal padrão.

Tudo o que restava nesse momento era matá-lo. Montei a câmera em um tripé e coloquei-a bem perto do chão, com uma lente larga para acentuar as pernas do modelo e dar uma qualidade épica à foto. Tentamos a configuração com alguns movimentos de dança – saltos e pontapés, mas descobrimos que, com o vestido esvoaçante que ela usava, ela funcionava melhor quando girava no lugar. Eu também a fiz tentar segurar e soltar a barra do vestido enquanto ela girava para maximizar o movimento. Como eu estava trabalhando com o tempo do flash da cortina traseira e com uma velocidade de obturador longa, o aspecto mais difícil era acertar a hora. Quando eu apertei o botão do obturador, houve um atraso de quase meio segundo antes do flash disparar, então tive que antecipar quando o modelo estaria na posição que eu queria congelar. Depois de um pouco de experimentação e alguns erros quase grandes, capturamos algumas fotos que amamos.

Mais tarde na sessão, adicionei um Kino Flo de dois pés (contínuo) acima e atrás do modelo.

Figura 2 (e 3) – Pintura clara

O outro elemento na imagem final é o primeiro plano em preto e branco. Mais uma vez, ele queria uma sensação etérea, com uma mistura de movimento borrado e quietude. Eu decidi ir com tinta clara. Essas imagens foram tiradas com uma única lanterna LED.

Como você precisaria de uma exposição muito longa para que o efeito funcionasse, primeiro era necessário remover qualquer luz ambiente dispersa. Estávamos filmando no meio do dia em um estúdio com uma janela enorme, ideal para retratos com luz natural, mas problemática para pintura à luz. A solução foi cercar literalmente o modelo e a câmera com pisos V de espuma preta. Eu experimentei um pouco com várias combinações de velocidade do obturador e abertura e descobri que 1,3 segundos em f / 9 e ISO 100 funcionavam bem.

Remontei a câmera em um tripé, com a mesma lente Sigma 24-35mm, e segurei a lanterna com o braço estendido acima e à direita da câmera. Nesse ponto, era apenas uma questão de tentar e tentar novamente até encontrar o que funcionava melhor. Decidimos fazer com que a modelo mantivesse a cabeça o mais imóvel possível, enquanto movia os braços e as mãos ao redor do rosto. Enquanto isso, ele movia o facho da lanterna para frente e para trás sobre a cabeça e os ombros a uma velocidade média, para pegar os braços em várias posições. Duas das melhores fotos acabaram sendo usadas na imagem final.

A edição

Como mencionei, originalmente eu estava planejando usar cada uma dessas configurações como uma imagem final separada, então iniciei meu processo básico de ajuste de cores e contraste ao meu gosto. A primeira imagem com o obturador arrastado também incluiu alguns elementos no estúdio que optei por remover: uma tomada e um conduíte, um ponto (muito estranho) do sensor e algumas molduras de coroa. Como a imagem estava propositadamente desfocada, era fácil usar o carimbo de clone e o pincel de cura para se livrar dessas peças.

antes e depois do Capture One Pro e Photoshop.

Fotos de pinturas leves eram muito mais fáceis. Usei o Capture One Pro para convertê-los em preto e branco e adicionar contraste, e eles estavam prontos para começar. Se você faz com que o assunto pareça embaçado o suficiente, você não precisa gastar tempo limpando ou afiando a pele!

Antes e depois

Depois veio a tarefa de combinar as fotos em uma imagem coesa. Minha primeira idéia foi sobrepor as imagens umas sobre as outras e usar os modos de mesclagem no Photoshop para revelar as diferentes áreas, mas achei esse método um pouco impreciso. Em vez disso, acabei combinando as duas fotos em close-up, em preto e branco, e mascarando o rosto da modelo em uma delas (para adicionar um pouco de clareza visual a essa área) e usando-as como pano de fundo. Depois, girei o modelo dançando na próxima camada e usei aplicar imagem para transformar esse primeiro plano combinado em uma máscara de camada. A imagem colorida era visível apenas onde o preto e branco era o mais brilhante, era opaca onde o primeiro plano era cinza e era invisível nas áreas pretas ao redor das bordas do quadro. Ajustei o efeito selecionando a máscara de camada e ajustando os níveis a gosto, ajustando a força do efeito e a velocidade com que a opacidade desapareceu.

Máscara de camada, escala de cinza.

Feito isso, tudo o que restou foram alguns retoques finais. Ajustei a cor geral e o contraste com algumas camadas de ajuste: níveis, curvas e um mapa de gradiente definido para uma opacidade relativamente baixa. Então eu adicionei um pouco de grão de filme falso para manter minha credibilidade nas ruas. Criei uma nova camada, preenchi-a com 50% de cinza e configurei o modo de mesclagem para sobrepor, o que essencialmente a fez desaparecer. Depois, adicionei um filtro de ruído, configurei para monocromático e disquei um pouco mais alto do que eu finalmente queria, porque sabia que poderia reduzi-lo um pouco, reduzindo a opacidade da camada, o que fiz, para cerca de 80%

Resultado final

E isso é! Fácil né? Deixe-me saber nos comentários abaixo se você tiver alguma dúvida sobre o processo ou alguma idéia de como você criou efeitos semelhantes no passado. Também é importante observar que, embora eu tenha usado alguns equipamentos bastante caros para fazer isso, principalmente filmagens que combinam luzes estroboscópicas e luzes contínuas, você pode obter resultados semelhantes com um flash Speedlite e algumas luzes de trabalho da Home Depot. Use o que você tem! Experimentar! Não deixe que a equipe ou a falta dela o impeça!



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